En rasgos generales la escultura puede dividirse en dos resultados estilísticos diferenciales: aquellas producciones visuales sensoriales y en su contraparte las conceptuales. Se denomina sensoriales a aquellas que hacen una referencia más cabal de la realidad visual relacionada con los sentidos y en particular con la forma en que vemos. Por otro lado las conceptuales son representaciones que se asocian con el concepto que tenemos de la realidad, esto es no como vemos sino lo que sabemos de las cosas, por tanto una representación de estas características se relación más con la razón que con la sensación visual que nos dan las cosas. Ambos pueden ser tanto figurativos como abstractos, ejemplo de esto se encuentran desde el comienzo en las Venus paleolíticas hasta nuestros días dentro d la corriente puramente abstracta. A través de la historia del arte la escultura oscila entre la posibilidad de representación fiel a la realidad visual y distintos tipos de abstracción conceptual ya sea por darle a la obra un dato comunicativo más o por la búsqueda de una estética particular. La escultura tuvo diferentes funciones comunicativas en el transcurso de su historia gran parte de ella asociada a el poder regente sea este religioso o estatal.
Funciones comunicativas de la escultura
La función religiosa queda patente a lo largo de toda la historia de la humanidad. Se trata de representar a los dioses de los diversos pueblos y su mitología, desde el Egipto antiguo, a Mesotopotamia, la civilización hindú, etc., hasta casi nuestros días. (Fuente de las Nereidas, Lola Mora, Nereídas. En la mitología griega, ninfas del mar Mediterráneo. Eran las cincuenta hermosas hijas de Nereo, el viejo hombre del mar, y de su mujer, Doris. Vivían en e fondo del mar, pero solían subir a la superficie para ayudar a los marinos y otros viajeros. Se creía que montaban en delfines y otros animales del mar).
Si tenemos en cuenta que a largo de la mayor parte de la historia de la humanidad, la gran mayoría de personas eran ¡letradas, no resulta extraño que la escultura haya cumplido también una función didáctica o pedagógica, mediante la que explicar al pueblo determinados aspectos. Así por ejemplo en la Edad Media, para la época del románico es frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las portadas como «catecismos pétreos» o «Biblia en piedra» ejecutados para ilustrar a la población analfabeta.
De la función funeraría de la escultura tenemos constancia desde el Egipto antiguo, revitalizada después mediante numerosos mausoleos y monumentos funerarios que recorren desde el Imperio Romano, al gótico, el barroco e incluso la época contemporánea, incluyendo culturas orientales, como es bien visible en el Taj Mahal. Mausoleo a Rivadavia, de Yrurtia
La función conmemorativas la han empleado muchas civilizaciones y regímenes políticos. Con ella se trata de realzar la figura de un personaje importante (emperadores, reyes, gobemantes, héroes...), o sus gestas u obras. También las gestas de algún pueblo o un algún hecho destacable de su historia. Suele ocupar espacios públicos abiertos como plazas, cumpliendo además una función ornamental. Aunque predomina el bulto redondo, puede ser también en relieve como ocurre con la Columna Trajana o el Arco de Tito en Roma, etc. (monumento a Nicolas Avellaneda, de Fioravanti)
La función ornamental puede darse ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos como el islámico, art noveaux, art deco, y algunas de las corrientes contemporáneas, cumple un papel fundamental.
Estilos
Las grandes civilizaciones antiguas ( Mesopotamia, Egipto) realizaron grandes esculturas que representaban a sus dioses a sus gobernantes y a sus héroes. Utilizaban los bajorrelieves para narrar grandes batallas y escenas de la vida cotidiana. Mientras las dos primeras, (aunque distintas tanto en su creencias como en el resultado final de sus obras), tienen en común un mismo tipo de conceptuar sus imágenes, como ser el generar la representación de la figuras humanas a partir de ley de frontalidad, perspectiva jerárquica, etc; como diferenciación entre lo deificado y lo cotidiano. Que da como resultado un arte hierático. Este por tanto es un arte netamente conceptual que remite más a la, idea.
EGIPTO ver escultura egipcia
EGIPTO ver escultura egipcia
 |
| Representación de Isis y Horus |
 |
| escultura cúbica |
 |
| guardianes de la tumba de Tutankamón |
 |
| escriba |
 |
| Akenatón |
Relieve de la puerta de Ishtar (babilonia)
ARTE GRIEGO
En su contraparte el arte griego sufre distintos cambios en el transcurso del tiempo, mientras que para su período arcaico tiene características similares a las antes mencionadas como la ley de, frontalidad y hieratismo, va lentamente camino en la búsqueda de un mayor naturalismo, aunque siempre con cierto grado de idealismo, a la llegada del arte romano el realismo se acentúa y aparece con mayor frecuencia el retrato. Por supuesto se conservan ciertas poses o actitudes que simbolizan el poder del representado y por tanto cierto grado de idealización. Es en el retrato donde adquiere mayor naturalismo y se asemeja más a un arte sensorial. Del arte de este periodo surge el concepto de estilo clásico, que tiene características compositivas propias. El clasicismo es amante de la visión unitaria, que nos hace ver todo de un vistazo. Todo está ordenado hacia el centro. Incluso si se fragmentase una obra cada parte tendría valor por sí misma. Toda composición clasicista está ordenada en planos. La composición viene en un primer plano para obtener una visión total del mismo.
ARTE GRIEGO
En su contraparte el arte griego sufre distintos cambios en el transcurso del tiempo, mientras que para su período arcaico tiene características similares a las antes mencionadas como la ley de, frontalidad y hieratismo, va lentamente camino en la búsqueda de un mayor naturalismo, aunque siempre con cierto grado de idealismo, a la llegada del arte romano el realismo se acentúa y aparece con mayor frecuencia el retrato. Por supuesto se conservan ciertas poses o actitudes que simbolizan el poder del representado y por tanto cierto grado de idealización. Es en el retrato donde adquiere mayor naturalismo y se asemeja más a un arte sensorial. Del arte de este periodo surge el concepto de estilo clásico, que tiene características compositivas propias. El clasicismo es amante de la visión unitaria, que nos hace ver todo de un vistazo. Todo está ordenado hacia el centro. Incluso si se fragmentase una obra cada parte tendría valor por sí misma. Toda composición clasicista está ordenada en planos. La composición viene en un primer plano para obtener una visión total del mismo.
GRECIA
Lo clásico
Las figuras aparecen aisladas con la misma finalidad de concisión formal. Lo tectónico y simétrico gobiernan la representación, frontalidad y perfil para las figuras humanas, en cierto sentido ceñidas a arquetipos, son características de su representación. El ideal del arte clásico ocupa el justo medio entre la abstracción de lo divino y el naturalismo del individuo.
Lo Barroco
Arte expresionista que se dio entre los siglos XVI y XVIII característicamente dinámico, dramático y sensual, de fuerte poder intuitivo y rica fantasía creadora. Puede definirse como el polo opuesto del ideal clásico, por la tendencia de éste a lo estático. Es un arte regido por el movimiento. La composición corresponde a las formas abiertas donde el plano y los límites son ignorados, el espacio aparece fluido e interpenetrado, las formas trabadas unas con otras en una visión de conjunto, pasa de la superficie a la profundidad, desechando el plano a favor del escorzo, la superposición y el efecto espacial. Características principales: Forma cerrada (clásica) y forma abierta (barroca), formas tectónicas que siguen siendo autónomas no obstante de participar de un total (clásica), a las partes concentradas en un motivo, a la subordinación de los elementos bajo la hegemonía de uno (barroca). Claridad absoluta (clásica), claridad relativa (barroca).
En la escultura europea
Edad Media entre el siglo V y el XV
Edad Media entre el siglo V y el XV
La escultura europea en la Edad Media tuvo sus características propias. La escuela románica se manifestó como una reacción frente al naturalismo clásico. El escultor no presta casi atención a la anatomía y a la belleza del cuerpo. Sin embargo va evolucionando hasta llegar en el gótico a un creciente interés por la naturaleza y por todos los seres animados. La escultura del gótico trata de dotar a sus personajes de expresiones más humanas que demuestren sentimientos (expresionismo). Los temas casi siempre de religión, aunque como novedad reaparece el retrato, sobre todo con fines funerarios, fruto del incipiente individualismo que tendrá su culminación en el Renacimiento.
El Neoplatonismo defendido por San Agustín generó durante gran parte de la Edad Media la certeza de que el mundo natural es sólo una apariencia intermedia tras la que se oculta la verdadera realidad trascendente de Dios. En este contexto, el arte debe rechazar la representación de la Naturaleza tal como se percibe con los sentidos y se exige extraer las verdades ocultas y el orden lógico que se esconden tras las formas físicas. De esta manera, las formas que adopta el románico se basan en una idea de! arte desarrollado por y para la inteligencia humana, no para sus sentidos: No pretende, como otros estilos anteriores y posteriores, copiar fielmente la naturaleza circundante, sino conceptuar la belleza de una manera abstracta y racional. (Conceptual) En el campo de la arquitectura, esto se traduce en el exclusivo uso de la geometría euclidiana, es decir, de las figuras geométricas más simples. Es una arquitectura de "escuadra y compás" donde cuadrados, círculos, cubos y cilindros, se disponen con un sentido estricto del orden y la simetría. La belleza y armonía que transmiten no es, por tanto, el resultado accidental del artista que por intuición desarrolla unas formas bellas, sino un hecho calculado. En el campo de la escultura, ésta se subordina a la arquitectura y sigue los mismos planteamientos de sometimiento al orden racional y la lógica. La "Ley del Marco" y la "Ley del Esquema Geométrico" enunciadas por Focillon reflejan este hecho con pleno acierto. La Ley del Marco obliga al escultor románico a adaptar sus figuras al marco arquitectónico que las soporta. Esta ley es fácilmente evidenciable en las esculturas de los tímpanos, ya que debido a su forma circular obliga a los personajes a adoptar diferentes alturas o a inclinar y agachar sus cuerpos para no interrumpir la armonía del trazado semicircular. La Ley del Esquema Geométrico exige al escultor que, aunque no se vea presionado por el marco arquitectónico, las figuras de su escultura han de tener una lógica geométrica intrínseca, como, por ejemplo, que sus figuras guarden simetría, formen figuras parecidas a cuadrados, círculos, cruces, etc. sin importar que este 'forzamiento" distorsione la realidad de animales o personas talladas. Como conclusión, en la escultura románica se adoptan las formas y proporciones más adecuadas para ajustarse a un orden geométrico racional. Por ello, en la escultura románica de portadas, cabeceras y fachadas encontramos personajes o animales achaparrados o de altura excesiva, a menudo realizando escorzos imposibles, y frecuentemente con perspectivas absurdas. Nada de esto invalida su belleza, si somos capaces de despojarnos de nuestra manera de pensar positivista. Uno de los principios que rigen la escultura románica es la de su funcionalidad para la comunicación y transmisión de ideas mediante meticulosos programas iconográficos. Estas ideas pueden ser simbólicas o simplemente descriptivas de episodios bíblicos dirigidos a un público analfabeto, los programas iconográficos de iglesias y catedrales se convertían en verdaderas Biblia de piedra.
El Bestiario Procedente del mundo grecorromano, bizantino y persa, el bestiario fantástico se apodera del mundo románico no sin resistencias y críticas por pensadores de la época. Pero el románico sacraliza esta estética pagana convirtiendo a los animales ‑tanto reales como imaginarios- en portadores de virtudes o perversiones, por lo que su aparición en capiteles, canecillos, tímpanos, etc. es reinventada y usada con sentido de enseñanza y advertencia. Quizás es el bestiario fantástico el motivo escultórico que más interés genera entre nosotros y el que mayor efecto de intimidación provocaría en el hombre medieval. Creado por combinación de partes de animales diferentes, su estampa, en ocasiones atroz, se reforzaba mediante lucha con hombres indefensos, con el objetivo de conmover para renegar del pecado. Aunque cualquier símbolo tiene dualidad de significados, incluso completamente opuestos, el románico usó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal y del diablo. Dentro del bestiario fantástico existen animales usados con frecuencia con carácter positivo, como los grifos (cabeza de y alas de águila y cuerpo de león) que dada la combinación de animales nobles se usan, como se ha indicado, como guardianes en las entradas (puertas y ventanas) de las iglesias. Sin embargo, la nómina de animales fantásticos maléficos es mucho más amplia. Los dragones son los más genuinos enemigos de Dios y el hombre. Su representación en el románico se aleja de las formas que las leyendas nórdicas de siglos posteriores han hecho llegar hasta nuestros días. El dragón románico es una ave con cabeza perruna de grandes ojos y cuencas profundas, con orejas puntiagudas y alargadas fauces amenazantes. Su cola es de serpiente y en ocasiones en lugar de patas de ave muestra pezuñas. Otros animales maléficos son la arpía (cuerpo de rapaz, busto femenino ‑aunque en ocasiones también masculino y con frecuencia, cola de serpiente) y la sirena (cuerpo femenino y cola o colas de pez), ambas representando la seducción por los placeres carnales. Los basiliscos (cabeza monstruosa con cresta de gallo con cuerpo y cola de serpiente) son los encargados de transportar las almas de los condenados al infierno. Los centauros (cabeza y troncos humanos y resto de caballo o equino) simbolizan la brutalidad y lujuria y con frecuencia se les representa con arco y flecha disparando a sirenas.
El gótico es fruto de esta evolución y vuelta al naturalismo. En el campo de la arquitectura, aunque se continua apegado a normas geométricas del pasado, la libertad para el uso de las formas es mucho mayor y se resuelven problemas arquitectónicas con soluciones ingenieriles plenos de pragmatismo (con "inventos" tan útiles como la bóveda de crucería o el arbotante) Las fachadas ya no guardan un sentido tan estrictamente simétrico y la escultura "empieza a moverse". El hieratismo desaparece y los personajes adoptan posturas cómodas en la piedra, sonríen y parecen desear la seducción estética gracias a sus gentiles gestos, sus cuidados vestidos y peinados cabellos.
GOTICO desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento
Pórtico de Sarmental de la Catedral de Burgos, siglo XIII
Las vírgenes necias, catedral de Magdeburgo, hacia 1250.
Gárgola (Galerie des Chimières, Nôtre-Dame, París).
Catedral de Köln
gárgolas de Notre Dame, París
Retablo, típica talla en madera del siglo XV, conservado en la Catedral de Amiens, Francia.
Representación gótica de la Adoración de los Magos en la Catedral de Estrasburgo.
RENACIMIENTO siglos XV y XVI
RENACIMIENTO siglos XV y XVI
En el Renacimiento italiano se inicia la imitación de las obras clásicas con la escultura, antes que las otras artes. Abundaron las estatuas y los relieves en todas las ciudades. Federico II, desde Nápoles, fue el gran impulsor del nuevo estilo que se extendió desde Italia a los demás países.
El llamado renacimiento clásico reconoce por dos principios fundamentales: estudio e imitación de la Naturaleza, y adopción de la formas y maneras clásicas de Grecia y Roma para la interpretación de la misma Naturaleza en el terreno plástico. El primero de esos principios constituía la base de la escultura gótica y si no fue seguido con toda fidelidad en muchas de sus obras, se hubiera logrado al fin, dadas las vías de progreso que felizmente recorrió dicha escultura, sin necesidad de acudir a los modelos antiguos de Grecia y Roma cuya imitación desvió el curso del arte cristiano. No cabe duda que el arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza, y traducirla con libertad y soltura por medio del pincel y el escoplo en gran multitud de obras maestras. Pero en cambio el afán de sus artistas por volver a las formas clásicas de la antigüedad pagana y su mitología no pudo menos que restar inspiración religiosa a la escultura y de hacerla más cultivadora de la forma exterior y del desnudo.
Sin embargo, ni todos los escultores que se dicen del Renacimiento se inspiraron directamente en la escultura clásica, aunque participaron del espíritu reinante, ni toda las obras de los que siguieron tales inspiraciones merecen la misma crítica.
Sin embargo, ni todos los escultores que se dicen del Renacimiento se inspiraron directamente en la escultura clásica, aunque participaron del espíritu reinante, ni toda las obras de los que siguieron tales inspiraciones merecen la misma crítica.
Escultores renacentistas y manieristas
Giambologna (1529 – 1608)
Miguel Angel 1475- 1564
Miguel Ángel realizó 6 esculturas (inacabadas, para el segundo proyecto de la tumba del papa Julio II, quiso colocar las figuras de los "esclavos" o "cautivos" en la parte inferior de la tumba.
Dos de los esclavos están actualmente en el museo del Louvre y los otros cuatro se encuentran en la "Galleria dell'Accademia", en Florencia, datan de los años 1532-1534, son conocidos con los nombres de: El esclavo joven, el esclavo barbudo, Atlas, el esclavo que se despierta.
Estas esculturas evolucionan hacia unas formas masivas, recuerdan a los "Titanes" de la antigüedad, están inacabados expresando una revuelta contra la materia que los envuelve, de la cual quieren deshacerse y así liberar el cuerpo.
Giambologna
Hercules and Nessus (1599), Florence
DONATELLO (1386 - 1466)
DONATELLO (1386 - 1466)
Il Zuccone
GHIBERTI (1378- 1455)
BARROCO
El Barroco sucede al Renacimiento. La escultura expresa movimiento y actitudes propias de una escena teatral y demuestra la exaltación de los sentimientos, (expresionismo). En el barroco se tiende a una visión en profundidad. La iluminación y los elementos nunca están en primer plano, suelen estar escalonados para darnos esa visión de profundidad. En el barroco cada fragmento debe ser entendido en la totalidad de la escena. Si en el clasicismo predomina una visión unitaria y centralizada, en el barroco, sucede todo lo contrario la obra tiende a expandirse producto del uso de la diagonal la que no invita a salir fuera del campo compositivo. Representación del desnudismo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con gran expresionismo. El gusto por el desnudismo y la realización de esquemas compositivos libres del geometrismo, lo que choca con la proporción equilibrada del renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia fuera. Esta inestabilidad que provoca la seriedad se manifiesta en la inquietud en los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje
Bernini 1598 – 1680
Bernini 1598 – 1680
En el Neoclasicismo, la escultura retorna a la antigüedad clásica, no sólo en los temas sino en el estilo.
A comienzos del siglo XIX, la escultura retorna a las formas y proporciones clásicas, pero esta vez con las características propias de cada artista en su propia búsqueda plástica, ya sea esta de síntesis y equilibrio o por el contrario un modelado de los volúmenes con mayor libertad y un tratamiento de la superficie más sensible.
El Simbolismo es uno de los movimientos que se inició en Francia, durante la segunda parte del siglo XIX. El Simbolismo es un rechazo del Realismo, pretende usar el arte para transmitir ideas y sentimientos y no limitarse al mundo visible. El Simbolismo suele tratar temas como la muerte, el pecado, la religión, la mitología y el erotismo. El movimiento simbolista tuvo un significado especial en las artes plásticas. En cierto sentido alude al uso de determinadas convenciones pictóricas (pose, gesto o diversos atributos) para expresar el significado alegórico latente en una obra de arte. En otro sentido, el término alude a un movimiento que comenzó en Francia en la década de 1880 como reacción tanto al romanticismo como al enfoque realista implícito en el impresionismo (arte sensorial). El simbolismo en las artes plásticas no es tanto un estilo en sí mismo como una tendencia ideológica de alcance internacional que sirvió de catalizador para la transformación del arte figurativo en arte abstracto. Aunque fue un movimiento especialmente pictórico su importancia radica en la influencia que tuvo sobre movimientos posteriores como el expresionismo y el surrealismo en su preocupación por los aspectos subjetivos y el empleo alusivo de los elementos plásticos característicos de dicho movimiento y de gran parte del arte desde la antigüedad ej: el color simbólico del arte egipcio.
VANGUARDIAS del SIGLO XX
VANGUARDIAS del SIGLO XX
EXPRESIOMISMO
El Expresionismo es la descripción visual de los sentimientos más íntimos del artista, y no la representación del mundo externo. El Expresionismo es intenso, apasionado y claramente personal. Es como si la obra de arte se convirtiera en la representación física de las emociones del artista. Hay un gran factor dramático en los violentos e irreales elementos plásticos del Expresionismo que da a esta forma de arte una vitalidad especial y libertad respecto a la representación de la naturaleza. La escultura expresionista hunde sus raíces en el siglo XIX; (aunque también pude hablarse de expresionismo en el barroco y otras corrientes artísticas); en la obra del francés Auguste Rodin, que expresó las emociones a través de sus esculturas figurativas. La línea experimental de Rodín influyó en la obra de su discípulo Antoíne Bourdelle, el escultor croata Iván Mestrovíc, el británico Jacob Epstein, el alemán Ernest Barlach y Wilhelm Lehmbruck. La obra de todos ellos ofrece diferentes formas de distorsión, exageración y estilización a grandes escalas de la figura humana. El expresionismo escultórico posee una honda fuerza emocional y un profundo sentido social.
1-
2-
3-
4-
Descripción de obras
1‑ jacob eptein el tratamiento pictórico de la materia acentúa su dramatismo. 2‑ ernest barlach, el nítido contorno evidencia el componente líneal, que constituye uno de los aspectos fundamentales de los modernos retornos al arte antiguo. Ambas aunque expresivas responden a la composición cerrada del arte clásico. 3‑Káthe Kollwíz, lamento por Barlach, 1940. 4‑ Agenore Fabbri, perro, lejos de un esquema naturalista su inspiración es el drama y la tensión.
Eptein (1934-1967)
Barlach (1870-1938)
FABRI (1911-1998)
 |
| Il grido della materia |
 |
Dimensions:
26x24x14,5 cm bronze 1957
|
 |
| Lotta, 1953, Collocazione sconosciuta, Ceramica a gran fuoco 50x73 cm. |
 |
| La rissa, 1951, Milano, Collezione privata, Terracotta policroma 80x120x48 cm. |
 |
| Cane della guerra, 1952, Milano, Collezione privata, Terracotta policroma h 50 cm. |
Rodin (1840-1917)
Bourdelle (1861-1929)
Brancusi (1876-1957)
Entre los Innovadores más importantes del lenguaje plástico del novecientos esta Brancusi. Si bien en sus comienzos él mira con admiración la obra de Rodin, muy pronto su visión plástica es totalmente distinta, a la exuberancia emotiva y sentimental que caracteriza la obra de Rodin, Brancusi opone, en efecto, una concepción plástica de extrema sobriedad, de absoluta claridad: su búsqueda se orienta hacia la pureza de la forma en sí, cumplida en su integridad y esencialidad, despojada de todo atributo sensible, con superficies pulidas y de formas simples y compactas. En sus obras de madera aparece más evidente la sugestión al primitivismo y arte negro pero siempre dotado de un equilibrio puramente racional, característico de toda su obra.
CUBISMO
El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. Múltiples vistas de un mismo objeto, esta característica netamente conceptual ya se ve en el arte egipcio y mesopotámico aunque con una resolución de imagen más sintética. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico, tanto la masa como el hueco sirven para la expresión plástica. Se dedican a la escultura muchos de los pintores cubistas, Picasso: Cabeza, Mujer, Cabeza de toro, y George Braque: Mujer de pie.
Entre los escultores cubistas destacan Aléxandre Archipenko, (1887‑1964) el gran escultor cubista: Torso negro, Cabeza, Estatuas de hierro del parque de la Uníversidadde Kansas City, Ossip Zadkine: Cabeza de mujer, Constantino Brancusi: La columna sin fin, Jacques Lipchitz: Marinero con guitarra, Henri Laurens: Mujer ante el espejo, Raymond Duchamp‑Víllon: Torso de hombre jóven, Julio González: Mujerpeínando sus cabellos, y Pablo Gargallo: El profeta, Bailarina, Estatua de Arlequín, el escultor cubista más destacado.
Archipenko (1887-1964)
Laurens (1885- 1954)
Lipchitz (1891-1954)
Braque (1882-1963)
Picasso (1881-1973)
FUTURISMO
En las esculturas futurístas también se intentará representar el movimiento. Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son también los escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura: Sintesis del dinamismo humano, Abstracción, y Vladímir Tatlin: monumento para la III Internacional
1‑Futurismo Boccioni Importante es mencionar que las obras futuristas intentan representar el movimiento a través de la inserción de los distintos planos, y tienen corno resultado una obra más estática que las del arte barroco debido al tipo de composición general.
Boccioni (1882-1916)
Boccioni (1882-1916)
2‑ Umberto Mastroianni, aparición alada, 1957. Posterior a esta corriente, dentro de la abstracción Humberto Mastroianni, continua la búsqueda de generar movimiento, con mayor criterio debido al tipo compositivo, donde la masa angulosa se proyecta hacia el espacio, casi como si estuviese animada por una carga vital que anula peso.
Humberto Mastroianni (1910-1998)
Humberto Mastroianni (1910-1998)
DADA
En realidad más que una estética o estilo es una actitud ante el arte. Nace en Zúrich en 1916 y rápidamente se extiende por toda Europa y Estados Unidos. Tristan Tzara será quien redacte su manifiesto. Se caracteriza por su nihilismo filosófico, producido por el horror de la guerra y el desencanto de la humanidad. El azar es uno de los motores de inspiración del arte dadá. La obra es encontrada, más que hecha, el ready‑made (un objeto común como un urinario ubicado dentro de una sala convertido por tanto en obra de arte). Esto es un insulto al arte que venía haciéndose hasta ahora, en el que el artista hacía el esfuerzo de construir la obra, se covierte en la negación del arte conocido hasta entonce. Este concepto será trascendental en el arte contemporáneo.
El dadaísmo es un movimiento intelectual contracultural, que protagoniza numerosas actividades escandalosas, las cuales dejarían en ridículo a los mismos surrealistas. Supone un nuevo concepto del arte, y de la obra de arte: escoger un objeto y ponerlo fuera de contexto de manera que pueda ser pensado como obra de arte. Con ellos el centro del arte comienza a desplazarse primero a Londres y luego a Nueva York. En Alemania el ambiente es distinto, alimentado por diversas preocupaciones, asume un carácter totalmente distinto: la protesta no es más un gesto gratuito y fin en sí mismo, se convierte en uno de los instrumentos de lucha y de acción, se tiñe de violenta polémica social.
Constituye una revolución en la escultura al elegir uno entre los elementos del mundo cotidiano y colocarlo en situación de ser pensado como obra de arte. A partir de ahora la escultura comienza a colorearse y a contemplarse desde un solo punto, al mismo tiempo que la pintura adquiere relieve, gracias al collage, con lo que cada vez se confunden más escultura y pintura.
Marcel Duchamp (1887‑1968) Es un auténtico provocador capaz de mandar a una exposición un urinario, un secador de botellas o un cuadro de La Gioconda con perilla y bigote. Crea el readymade, la obra de arte ya hecha, un nuevo lenguaje plástico que incorpora todo tipo de materiales. Entre la obra escultórica destaca: La fuente urinario, ¿Porqué no estornudar?, La casada desnudada por sus célibes, El secador de botellas, Rueda de bicicleta.
Con Hans Arp (1887‑1966) el acento cae sobre la obra como fruto de lo fortuito, de lo casual, fuera de toda regla y de todo esquema preestablecido: basta algunos fragmentos de material para definir la obra, el todo de la obra constituye un conjunto armónico de ritmos, que desarrollara en relieves de madera coloreada y esculturas ovoidales que claramente aluden a formas humanas. Aunque pertenece al dadaísmo, luego al surrealismo, fíjese la similitud formal con la obra de Brancusi.
Todos ellos son artistas polifacéticos y tocan varias formas artísticas: pintura, escultura, poesía, y todo ello con intención de provocar. La época de los gestos gratuitos y de las protestas absolutas y pide ser interpretada a la luz de las experiencias que han madurado en los dos primeros decenios del siglo.
Todo este movimiento impulsado por Duchamp tenía la intención de romper con la tradición, pero como él mismo manifesto no es una corriente artística a seguir si no un acto de poca duración ya que el impacto provocado por la primera exposición va a convertirse como algo aceptado culturalmente y por tanto pierde su efectividad.
Todo este movimiento impulsado por Duchamp tenía la intención de romper con la tradición, pero como él mismo manifesto no es una corriente artística a seguir si no un acto de poca duración ya que el impacto provocado por la primera exposición va a convertirse como algo aceptado culturalmente y por tanto pierde su efectividad.
Curt Stenvert, neodadaísta, pero con un fin determinado un compromiso de protesta. Toda su obra toma partido contra la violencia, la guerra, el racismo, los antiguos y nuevos males de nuestra sociedad.
Hans Arp (1887‑1966)
Duchamp (1887‑1968)
SURREALISMO
Los elementos surrealistas existen desde la antigüedad recuérdese los animales fantásticos de Mesopotamia o Persia, y las representaciones simbólicas, pero también surreales del arte egipcio, y para la época medieval todo su bestiario antes mencionado. Para el siglo XX surgirá como movimiento artístico fundado por el poeta y crítico francés André Breton. Breton publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. En pintura y escultura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. El pensamiento y los métodos de investigación de Freud ejercen una poderosa influencia. El sueño y lo fantástico se convierten en lugares excepcionales donde se desarrollan nuevas técnicas. La primera de ellas es el automatismo, que revela el mecanismo del pensamiento, luego la lectura e interpretación de los fenómenos causales provocados con el collage. El sueño y la realidad se fundarán en una suerte de realidad absoluta: la surrealidad. Todos con los ojos vueltos no a la realidad externa sino a la realidad interior, vueltos para descubrir correspondencias y asociaciones nuevas para los objetos de la visión, vueltos a la búsqueda de significados desconocidos. El papel del inconsciente será el elemento innovador respecto de las culturas anteriores. Reivindica, como sus antecesores en las artes plásticas, a pintores como el italiano Paolo Uccello, el poeta y artista británico William Blake y al francés Odilon Redon. En el siglo XX también son admiradas, y a veces expuestas como surrealistas, ciertas obras de Giorgio de Chirico, del ruso Marc Chagall, del suizo Paul Klee y de los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia, así como del español Pablo Picasso, aunque ninguno de ellos formó parte del grupo. A partir del año 1924 el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp así como el pintor y fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre sus miembros. Se unieron por un corto periodo de tiempo el francés André Masson y el español Joan Miró. Ambos pintores fueron miembros del grupo surrealista pero, demasiados individualistas para someterse a los dictados de André Bréton, se desligaron del mismo en 1925. Más tarde, se incorporó el pintor franco‑estadounidense YvesTanguy, así como el belga René Magritte y el suizo Alberto Giacometti. El pintor catalán Salvador Dalí se asoció en 1930, pero después sería relegado por la mayoría de los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. En el campo de la escultura Arp y Giacometti cultivan el espíritu surrealista. Arp queda ligado al descubrimiento de la forma ovoidal que le ofrece las sugerencias para una serie de variaciones plásticas de íncontaminada pureza: las modulaciones de las superficies, dan vida a las formas de gran perfección. Es una belleza de formas aparentemente abstractas, comparable a las piedras pulidas por el agua, pero en ellas está siempre presente la alusión a las formas humanas, aún alejadas del contexto naturalista.
Giacometti (1901-1965)
Después de su actividad en la escultura negra poderosamente evocativa, llega a través del surrealismo a crear objetos, formas en las cuales él trata de concretar sus obsesiones. Hay una magia sutil e inquietante en esas apariciones que dan forma visible a la realidad invisible: en ellas nos sentimos a traídos por el encanto de aquel misterio que, nos es revelado en su aspecto incongruente y fantástico pero cargado de su realidad sentimental que es la de la interioridad.
Después de su actividad en la escultura negra poderosamente evocativa, llega a través del surrealismo a crear objetos, formas en las cuales él trata de concretar sus obsesiones. Hay una magia sutil e inquietante en esas apariciones que dan forma visible a la realidad invisible: en ellas nos sentimos a traídos por el encanto de aquel misterio que, nos es revelado en su aspecto incongruente y fantástico pero cargado de su realidad sentimental que es la de la interioridad.
Su obra surrealista más sobresaliente quizá sea El palacio a las 4 de la madrugada (1932‑1933, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos): se trata de un esqueleto arquitectónico que sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la subjetividad y fragilidad de los sentidos temporal y espacial en el ser humano. En 1948 expuso sus obras después de experimentar durante doce años en el campo de la escultura y de la pintura. A partir de estos trabajos desarrolló un estilo muy personal de figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que los rodea.
 |
| hombre y mujer 1926. Zurich |
 | ||
 |
| Le chariot, 1950 Zurich |
Chadwick (1914-2003)
Armitage (1916-2002)
Richier (1904-1959)
CONTRUCTIVISMO
El constructivismo, que da prioridad a la dinámica del espacio escultórico sobre lo estático de la masa, fue una tendencia nueva que se desarrolló sobre todo en Rusia. Su fundador, inspirado en sus comienzos por la obra de Picasso, fue VIadímir Tatlin; alcanzó gran renombre con la maqueta en espiral de madera, hierro y vidrio para su Monumento a la III Internacional (1919‑1920, Museos Estatales Rusos, San Petersburgo). Hacía esa misma época los hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner también se dedicaban a la escultura constructivista en Rusia, pero el vanguardismo de su obra no gustaba al régimen comunista y por ello emigraron y extendieron sus ideas por la Europa occidental y Estados Unidos. El constructívísmo, movimiento que reivindicaba la elaboración de esculturas a partir de elementos industriales, se introdujo en Estados Unidos a través de artistas emigrados de Rusia en la década de 1930, principalmente por el brillante talento de Naum Gabo. Se convirtió en la base de la escultura estadounidense en las décadas de 1940 y 1950. David Smith suelda láminas de metal y objetos encontrados en la calle (incluso partes de un tractor) dando lugar a composiciones que irradian una gran fuerza. Otros estilos escultóricos abstractos oscilan entre las delicadas y sin embargo, complejas construcciones en alambre de Richard Lippold hasta las alegres y gigantescas formas al aire libre de Mark Di Suvero. El nombre de constructivismo alude a la necesidad de construir la obra de arte. El elemento revolucionario en la visión de Pevsner cosiste en considerar no más al volumen sino al espacio como sustancia de la obra escultórica. Con un sabio alternarse de líneas curvas y rectas, de movimientos sinusoidales y de bruscas interrupciones, tanto Gabo como Pevsner logran crear ritmos espaciales de vibrante tensión.
Pevsner (1886-1963)
Gabo (1890-1977)
Henry Moore (1898‑1986)
Escultor británico conocido sobre todo por sus grandes esculturas semiabstractas de figuras humanas. Está considerado como el escultor inglés más importante del siglo XX. Su obra ha ejercido una fuerte influencia sobre la escultura figurativa contemporánea. Moore nació en Castieford, Yorkshire, el 30 de julio de 1898. Sus primeros trabajos, realizados en la década de 1920, muestran influencias del arte precolombino, de la pintura de Masaccio y de Miguel Ángel, y de las formas aerodinámicas de Constantin Brancusi. Durante la década de 1930 la obra de Pablo Picasso y de los artistas abstractos contemporáneos ejercieron una fuerte influencia tanto en los dibujos como en las esculturas de Moore; muchas de sus obras de este periodo están muy próximas a la abstracción; son, algunas de ellas, piezas redondeadas talladas en madera con numerosos cortes y huecos, a menudo cubiertos por velos de fino alambre metálico. No obstante, la principal y más permanente influencia la recibió Moore del mundo de la naturaleza. "La figura humana", escribió, "es mi mayor preocupación, pero he encontrado los principios de la forma y el ritmo a partir del estudio de los objetos naturales, tales como guijarros, piedras, huesos, árboles y plantas". En su etapa de madurez, iniciada con Figura reclinada (1936, City Art Galiery, Wakefield), Moore empleó formas hinchadas, rotundas, onduladas, con huecos y perforaciones redondeadas que reflejan formas naturales. Sus temas predilectos incluyen madres con hijos, grupos familiares, guerreros caídos y sobre todo, la figura humana reclinada, que continuó representando a lo largo de toda su carrera, trabajando en madera, piedra y posteriormente (a partir de 1950) en bronce y en mármol. Estas obras van desde el realismo ‑como en Figura reffinada vestída (1953, Edificio Time Life, Londres), una enorme escultura de mujer reclinada sobre sus codos ‑ a la abstracción ‑como en Formas internas y externas (1954, Galería de Arte Albright‑Knox, Buffalo), enorme y redondeada escultura en bronce perforada con un hueco interior que a su vez contiene una segunda forma abstracta de metal. Además, y muy diferentes de los bocetos preparatorios para sus esculturas, Moore realizó también una serie de dibujos sobre los londinenses refugiándose en las estaciones de metro durante los bombardeos de la II Guerra Mundial. Estos dibujos, conocidos como dibujos de refugios (c.1940 y siguientes), expresan con gran agudeza el impacto de la guerra sobre los ciudadanos indefensos. Entre los encargos públicos más importantes se encuentran: Viento norte (1928), para la sede de las ofícinas del Metro de Londres en Saint ]ames; Virgen con el Niño (1949), para la iglesia de Claydon, en Suffoik; Figura reclinada (1951), para el festival de Bretaña, y otra Figura reclinada (1958) en la sede de la UNESCO en París.
Escultor británico conocido sobre todo por sus grandes esculturas semiabstractas de figuras humanas. Está considerado como el escultor inglés más importante del siglo XX. Su obra ha ejercido una fuerte influencia sobre la escultura figurativa contemporánea. Moore nació en Castieford, Yorkshire, el 30 de julio de 1898. Sus primeros trabajos, realizados en la década de 1920, muestran influencias del arte precolombino, de la pintura de Masaccio y de Miguel Ángel, y de las formas aerodinámicas de Constantin Brancusi. Durante la década de 1930 la obra de Pablo Picasso y de los artistas abstractos contemporáneos ejercieron una fuerte influencia tanto en los dibujos como en las esculturas de Moore; muchas de sus obras de este periodo están muy próximas a la abstracción; son, algunas de ellas, piezas redondeadas talladas en madera con numerosos cortes y huecos, a menudo cubiertos por velos de fino alambre metálico. No obstante, la principal y más permanente influencia la recibió Moore del mundo de la naturaleza. "La figura humana", escribió, "es mi mayor preocupación, pero he encontrado los principios de la forma y el ritmo a partir del estudio de los objetos naturales, tales como guijarros, piedras, huesos, árboles y plantas". En su etapa de madurez, iniciada con Figura reclinada (1936, City Art Galiery, Wakefield), Moore empleó formas hinchadas, rotundas, onduladas, con huecos y perforaciones redondeadas que reflejan formas naturales. Sus temas predilectos incluyen madres con hijos, grupos familiares, guerreros caídos y sobre todo, la figura humana reclinada, que continuó representando a lo largo de toda su carrera, trabajando en madera, piedra y posteriormente (a partir de 1950) en bronce y en mármol. Estas obras van desde el realismo ‑como en Figura reffinada vestída (1953, Edificio Time Life, Londres), una enorme escultura de mujer reclinada sobre sus codos ‑ a la abstracción ‑como en Formas internas y externas (1954, Galería de Arte Albright‑Knox, Buffalo), enorme y redondeada escultura en bronce perforada con un hueco interior que a su vez contiene una segunda forma abstracta de metal. Además, y muy diferentes de los bocetos preparatorios para sus esculturas, Moore realizó también una serie de dibujos sobre los londinenses refugiándose en las estaciones de metro durante los bombardeos de la II Guerra Mundial. Estos dibujos, conocidos como dibujos de refugios (c.1940 y siguientes), expresan con gran agudeza el impacto de la guerra sobre los ciudadanos indefensos. Entre los encargos públicos más importantes se encuentran: Viento norte (1928), para la sede de las ofícinas del Metro de Londres en Saint ]ames; Virgen con el Niño (1949), para la iglesia de Claydon, en Suffoik; Figura reclinada (1951), para el festival de Bretaña, y otra Figura reclinada (1958) en la sede de la UNESCO en París.
ARTE CINETICO
Alexander Calder (1898-1976) , influido por la abstracción biomórfíca del español Joan Miró, inventó una nueva forma de escultura: el móvil, que aportó a este género el sentido del movimiento, real y el cambio espontáneo, Los móviles de Calder tiene ciertas afinidades con el constructivísmo, que el artista ha logrado fusionar exitosamente con procedimientos mecánicos y con una sensibilidad para el color, que se manifiesta, a la manera de pequeñas constelaciones, sometidas a los efectos de un suave y armonioso movimiento, que le impone a la escultura en su conjunto un nuevo sentido del ritmo y una profunda expresividad lírica.
Otras obras de Calder
MINIMALISMO
Se denomina Minimalismo a una corriente estética y musical iniciada en los años 60 del siglo XX, cuyo máximo desarrollo se dío en los años 70, y que en lo arquitectónico privilegia los espacios amplios y libres y los colores suaves y tenues, además de dar relevancia a los conceptos simples. El término "minimal" es utilizado por primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965, para referirse a las pinturas de Ad Reinhart y otros objetos de muy bajo contenido artístico como los ready‑made de Duchamp. El minimalismo como corriente estética deriva de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia de¡ entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra. Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes y formas en escultura y en la música. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones. Características: Ausencia de contenido formal o de estructuras relacíonales. Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color, superficie y formato. Carácter "opaco" (negación de cualquier efecto ilusionístico) y literal (conforme a su verdadera naturaleza, la pintura es sólo "pigmento específico" sobre una "superficie especifica"). ( la escultura es volumen en un espacio específico) Máxima sencillez. Cualidad casi inmaterial. Utilización directa de los materiales que son minimamente manipulados. Empleo de distintos materiales a fin de explotar la interacción de sus características físicas. Creación de contrastes como brillante‑mate, suave‑áspero, opaco‑transparente, y grueso‑fino.
Donald Judd (1928-1994)
Más escultores contemporáneos: http://cecila-ruwette.blogspot.com/p/escultores.html
